[Временные и пространственные виды искусства]

Разные виды искусства – живут, распространяются, транслируются, либо в пространстве, либо во времени. Либо может быть совокупность пространства и времени, тогда искусство относится к пространственно-временным.

Временные искусства – это те виды искусства, которые распространяются во времени, а именно: музыка, танец, мимика. Время не имеет никакого отношения ни к скульптуре, ни к архитектуре, ни к живописи, так как они относятся к группе пространственных искусств.

К пространственным видам искусства следует относить те виды искусства, которые живут в пространстве, распространяются в пространстве. Это прежде всего изобразительное искусство, графика, архитектура, скульптура, и т.д.

Театр, как и кино, занимает промежуточное положение между группой временных искусств и группой пространственных искусств. Так как это искусство синтетическое.

Таким образом театр мы относим к пространственно-временным искусствам.

Разбирая театр как феномен, мы можем заметить что это целая история. Найти национальные корни генезиса этого искусства достаточно сложно. У многих возникают разные взгляды на эти вещи. Тем не менее, не смотря на всю свою ‘давность’ театр живет до сих пор. До сих пор он востребован обществом, в той или иной степени. Существуют эпохи, когда интерес к театральному искусству возрастает, существуют эпохи, когда он убывает. Но в целом он достаточно стабилен.

Естественным образом возникает вопрос о существовании прогресса в искусстве?

Существует ли в искусстве прогресс?

Если разбирать прогресс как вертикальное восхождение от более низших форм к более высоким формам, с выполнением определенных задач и функций. Можно заметить что развитие в искусстве имеет спиралевидную структуру. На каждом ветке которого оно повторяется. Однако позиционирование повтора как повторения на высшем уровне будет ошибочным. Можем обозначить это как позиционирование на ‘другом’ уровне. Всяческое античное произведение, поставленное в наше время несет в себе смысловую нагрузку нашей эпохи. Это все можно считать внешним развитием рассматриваемого предмета. Искусство изначально несет в себе субъективное мнение не для всех, но для каждого. Меняется эпоха, люди, предметы, искусство же стоит на месте. Если для сравнения прогресса в искусстве взять прогресс науки, можно заметить что наука выигрывает. Научный прогресс на лицо, хоть он и не материален.

Что же такое искусство?

Это то, что создано человеком, в отличии от того, что дает природа. По словам Карла Маркса, искусство – это образное отражение действительности.

Рассмотрим эту же проблему в искусстве живописи.

Эволюция цветовых структур началась с русской северной школы фресковой живописи. Затем новая цветовая концепция родилась в Италии, на юге, так называемая ‘южная фреска’. Фреска развивалась до тех пор пока Леонардо да Винчи не создал ‘Мону Лизу’. Можем обозначить ее как опорную точку. Фреска, отделившись от стены, превратилась в станковую живопись.

Станковая живопись развивалась вплоть до Микеланджело Буонарроти. В художественное время Микеланджело были абсолютизированы представители маньеризма, Франческо Пармиджанино, Аньоло Бронзино, ит.д. Они пытались абсолютизировать достижения Микеланджело, в итоге получили ‘Мадонну с длинной шеей’. Внутреннее содержание, которое вкладывал в свои структуры Микеланджело было напрочь удалено, в связи с тем, что изменились общественности установки, изменилось время, изменились стереотипы в сознании. Остался только контур тела, который ничего не выражает. Далее представителям художественного искусства необходимо было искать моменты, которые заставляли реципиентов получать какие-то ‘переживания’ от увиденного.

В американской психологии искусства существует концепция ‘исчерпания потенциала к радикальному возбуждению’. Базируется она на теоретических принципах русской формальной школы, в которой была выработана концепция ‘автоматизации приема’.

По этому художнику, для того что бы прославиться, нужно найти новый прием, который будет цеплять реципиентов, нужно найти что-то свое. Однако, рано или поздно, то, что создает художник, перестает удовлетворять реципиентов. Те или иные художественные структуры, которые создает художник, не оказывают должную ответственность реципиенту, поэтому оказываются не востребованными. Художнику необходимо усложнять структуру. Иной путь неправилен, достаточно взглянуть на революцию живых систем.

Художественные структуры усложняются. От Барокко следует Рококо, который в свою очередь перерастает в Импрессионизм. От Импрессионизма к пост-импрессионизму, от пост-импрессионизма, через абсолютизацию, формируется в Пуантилизм, Фовизм, и т.д. Затем мы видим, что исчерпание художественных структур приводит к гипертрофии их отдельных компонентов. Изображение становится ‘точечным’.

Все это приводит к супрематизму, к полной беспредметности. По словам Казимира Малевича супрематизм – это полная беспредметность, поиск чистой формы, чистого цвета, вне связи с художественным содержанием. Т.е. новаторство, которое должно цеплять реципиентов. В итоге мы получаем ‘Черный квадрат’, как полное выражение беспредметности в искусстве. Этот момент в истории можно охарактеризовать как кризис.

Всякое усложнение художественных структур приводит к гипертрофии. Гипертрофия, в итоге, рождает кризис.

Завершить хочется в одну строку:

Искусство развивается но не прогрессирует.