Игорь Лопатин. ЦВЕТО-АБСТРАКТНЫЙ РЕАЛИЗМ

2009 — Персональная выставка в кинотеатре «Авангард» в г. Пушкин
2008 — Участие в выставке «Куда приводят мечты» в павильоне Карла Буллы
2007 — Участие в выставке «Живопись — Музыка» в выставочном зале Союза Художников на Охте
2005 —  Забросил работу (почти) и решил вспомнить навыки живописи.
Участие в малозначительных, местных выставках
1999 —  Участие в выставке «ЗНАК», а также в 2000, 2001, 2002, 2003, 2004
1998 —  Участие в выставке «Модулор»
1993 —  Вступает в Союз Дизайнеров России
1982 —  Работа дизайнером, дизайнером-графиком, (полиграфия, наружная реклама)
1985–1990 —  ЛВХПУ им В.И. Мухиной (МУХА, ныне СПБХПА им. Штиглица) — дизайн
1978–1982 —  ЛХУ им. В.А. Серова (ныне СПБХУ им. Рериха) — интерьер

• картины проектируются как знак
• pop-art + op-art + color-art + антиконструктивизм 
• минималистические средства
• использование дополнительных и смежных цветов, повторов 
• фрагментарные, рельефно-фактурные композиции для восприятия периферийным зрением

Стиль

Я еще не придумал, как сформулировать то, что я делаю, — это смесь тех направлений, которые мне нравятся. Абстракционизм или модернизм — слишком обшее название.

«Минимализм с элементами оп-арта , или оп-арт c элементами поп-арта, минимализма, теорией цвета, последовательных эффектов, перцептивной перспективой и элементарной геометрией в сочетании с цветовыми контрастами, построенных на противоположных цветах, немного от Akiyoshi Kitaoka, фрактального дизайна, примитивизма и фактурного материаловедения» 
— будет самым полным определением. 

Цветовое пятно в пространстве интерьера

Я пытаюсь делать картинку как часть интерьера, а не картинку как картину для рассматривания. Моя картинка должна висеть и давать цветовое настроение всему объему помещения, например как камин, люстра, или солнце на улице. Она просто должна греть, а если иногда на нее еще и посмотреть можно, то тогда можно сказать что удалось. Это не психология образа, а цвета.

Процесс

Нет вопроса «что делать?», скорее — «как делать?». Абстракций, оп-арта, минимализма я встречаю немало, но тех, кто целенаправленно этим занимается, к сожаленью нет. И работы обычно попадаются, вроде похожие на абстракцию, вроде бы похожи на оп-арт, а работы должны быть узнаваемыми, и их должно быть много. Если бы Уорхол сделал только штук десять работ, наверное, он не стал бы столь популярен.

 

• Кто-то сказал, что мои картины можно печатать на матрц. Я был бы счастлив.

Как все происходит

 Разметка по линейке, а остальное — вручную. Пишу и делаю я медленно, обычно «накрасил, посушил, перекрасил, досушил», недельку висит перед глазами, где «не попал» опять перекрашиваю. В среднем 1-2 мес. Иногда в процессе штук десять бывает.

Материал

Люблю писать маслом. В грунт добавлен крупный песок, за счет этого поверхность как стена — шершавая. Нарочитый рельеф как при многократном увеличении (фактура краски как под лупой, нереально крупная), чтоб все немного помучились, размышляя, как это сделано.

• Фрагмент живописи, увеличенный в десятки раз, может быть интересен не менее самого сюжета. Наверно, это в противовес зализанности и аккуратности как таковой.

Внутренняя самоцензура

Когда работа готова, провожу маленький тест: фото картины сильно уменьшаю, прищуриваюсь или размываю в «шопе», и если получилось куча-мала, а не цельная картинка, то это плохо. Еще можно зеркально отразить по горизонтали/вертикали, перевернуть и посмотреть — все должно быть ok.

Если есть детали, которые можно убрать, их надо убирать. Стараюсь, чтобы картины была как знак: минимум информации и деталей, максимум схемы и простоты восприятия. Делать просто, для меня, гораздо сложнее, чем делать сложно.

Задача выполнена, если зритель остановился и пролепетал: «Это что за х**ня?!».

• Значим сам факт того, что он задумался. Значит, его зацепило, даже если он думает что это очень и очень плохо, всё равно это хорошо. Абсурд как способ мышление — это прогресс.  

Критика

Сначала надо сделать что-нибудь ненужное, чтоб узнать, что оно не нужное, а как узнать заранее? Картины становятся искусством через много лет, а сейчас это холст испачканный краской, я и пачкаю. Искусствоведы сами по себе, я сам по себе.

Смотрю по сторонам

Кандинский и Клее, Раушенберг и Жегин, Матющин и Малевич. Учиться надо на классических примерах, далее можно экспериментировать. 

 

Зачем я это делаю

Одни портреты или марины пишут, другие натюрморты, третьи — ужасы всякие. Я вот дизайнЁр и делаю наверно больше не картинку, а спиритически формирую пространство. Хочу, чтобы не было смысловой нагрузки, а присутствовала только эмоциональная составляющая. И это примерно как композиционно-структурно-цветовая конструкция.

О себе

Наверно, я дизайнер чуть больше, чем художник, а элементарная геометрия, золотое сечение, ряд Фибоначчи, принцип модулора и т.д. мне близки, так же как цветоведение, психология цвета, и пр. Мне интересны цвет, композиция, соотношения. Вся работа направлена на то, чтоб показать, какие они красивые. Я знаю что делаю, поэтому и не бросаю это дело.

Совет тем, кому он нужен

Пишите больше, и не в рамках учебных заданий. Каждую работу доводите до конца.
И самое главное — должно получаться то, что задумали, а не то, что получилось, даже если получилось «вроде неплохо», последнее, самый плохой показатель.

Интервью с самим собой: Игорь ЛОПАТИН 
ART&ШОК Magazine W | 1