Новая земля: Гид по современному ленд-арту

Ленд-арт (land art), как новое направление искусства, зарождается в Америке в 1960х-70х годах как ответ на повсеместную коммерцию, зависимость от рынка, консервативность музеев и галерей и всеобщую усталость от того, чтобы искусство происходило и выставлялось в четырех стенах. С восторгом неофитов художники того времени открывали для себя безграничные возможности природы: здесь не существовало пространства и времени в привычном понимании того, как делается выставка и придумывается новое произведение искусства.

Главной идеей ленд-арта стала взаимосвязь природы и человека, возможность гармонично вписать арт-объекты в пейзаж, не нарушая его целостности и сохраняя естественную красоту. Идея природы-мастерской с тех пор захватывает, в первую очередь, тех, кто родился и вырос в больших городах и кому бегство из мегаполиса дает необходимый воздух, с которым можно прервать замкнутый круг каменных джунглей.

Первые ленд-арт-художники (Роберт Смитсон, Денис Оппенхейм, Ричард Лонг) уходили в заброшенные места, пустыни, побережья, предпочитая их свободе ограниченность городского и музейного пространства. Современный ленд-арт значительно набирает популярность среди все тех же жителей больших городов в поисках нового мира для творчества. И как бы по-разному ни назывались eco-art, public art и site-specific, все художники ленд-арта главным образом думают о том, как рукотворный мир человека сосуществует с природой, нужно ли нам возвращение к корням и как быть с лесами, полями и берегами, с которых все сбегают в крошечные квартирки разрастающихся супергородов.

MAG выбрал 15 заметных мастеров лэнд-арта, от одного взгляда на работы которых остается ощущение прогулки на свежем воздухе.

Роберт Смитсон

(Robert Smithson)

Смитсон одним из первых начал осваивать новое направление, исследуя промышленные зоны в окрестностях Нью-Джерси. Под впечатлением от работы бульдозеров и эскаваторов, напоминающих, по его словам, памятники древности, Смитсон создал свою первую серию арт-объектов «Не места» (Non-sites). Художник считал, что природу невозможно загнать в строгие рамки искусствено созданных парков. Вместо этого стоит обратить внимание на заброшенные территории и зоны риска. «Парк — это законченный ландшафт для законченного искусства. Помимо идеальных садов прошлого и их современных эквивалентов — национальных парков и больших городских парков — существуют более инфернальные ландшафты: шлаковые отвалы, заброшенные карьеры, загрязненные реки».

Ричард Лонг

(Richard Long)

Английский художник на протяжении десятилетий исследовал взаимодействие таких величин, как время, расстояние и измерение. По собственному признанию Лонга, его работы — инсталляции и скульптуры — это его собственные прогулки, точные документации маршрутов: «Моим намерением было делать новое искусство, которое стало бы также новым видом прогулки: ходьба как искусство». Первой подобной работой Лонга стала прямая линия в поле, покрытом травой, которая символизировала тропинку в никуда. 

Уолтер де Мария

(Walter de Maria)

Своей художественной стратегией калифорниец Уолтер де Мария выбрал наглядную демонстрацию сил природы, её потенциал и мощь естественных явлений. Самой известной и показательной работой художника в этой области стало созданное в 1977 году «Поле молний» (Lightining field) в Нью-Мексико. 400 громоотводов, стоящих на огромном поле, образовали громадную геометрическую решётку. Сезонные грозы превращались в завораживающее и живописное зрелище для смелых зрителей. А из земли, торфа и камней в это время художник создавал абстрактные образы, желая передать само ощущение природы и её могущества.

Джеймс Таррелл

(James Turrell)

Начиная с 60-х годов, объектом наблюдения американского художника Джеймса Таррелла является свет. Бесконечно экспериментируя со световыми инсталляциями, он изучает видимое в природных и музейных пространствах. С 1972 года Таррелл работал также с кратером вулкана Роден, расположенного в аризонской пустыне: в этой масштабной работе главными героями стали небо и льющийся свет. Благодаря стараниям Таррелла и его инженерным идеям, вулкан стал уникальной обсерваторией, в которой зрители могут увидеть небесные явления невооружённым глазом.

Алан Сонфист

(Alan Sonfist)

Алан Сонфист — один из пионеров направления public art. Больше 40 лет нью-йоркский художник изучает взаимосвязь между историей планеты и историей человеческого общества. Сколько живет Земля и какая крупица по сравнению с этим сроком человеческая жизнь: в его работах подчёркивается неразрывность времени, настоящего прошлого и будущего. Его самый известный проект «Ландшафт времени», расположенный на Манхэттене, рассказывает о связи природы — современной и бесследно исчезнувшей. На реализацию этой идеи потребовалось 10 лет, в течение которых на Хьюстон-стрит были выращены растения и деревья, близкие к тем, что росли в этом же самом месте до открытия Америки европейцами.

Джим Деневан

(Jim Denevan)

Свои геометрические рисунки Джим Деневан создаёт на самом недолговечном холсте — песке, используя для этого палки, найденные неподалёку. Уже почти десять лет американец пишет свои произведения на пустынных пляжах Америки, работая по 7 часов в день и проходя иногда десятки километров. Гармоничных и стройные работы он творит вручную, не используя дополнительных измерительных приборов или заранее сделанных эскизов. При этом Деневана совершенно не заботит, что его работы смываются первым же дождём: «Легко пришло, легко ушло. Зато, может, когда-нибудь одна из моих композиций на самом деле привлечёт внимание инопланетян», — шутит художник.

Эндрю Роджерс

(Andrew Rogers)

Проекты австралийского художника Эндрю Роджерса — самые масштабные работы в рамках ленд-арта. Главный проект Роджерса «Ритмы жизни», длящийся уже 13 лет, представляет собой 46 массивных каменных инсталляций. В его воплощении приняли участие почти 7 тысяч человек в 13 странах: от Индии до Восточной Европы, от Скандинавии до Южной Америки. Создавать современные стоунхэнджи Роджерсу помогают местные жители, включая даже женщин и маленьких детей, и это тот случай, когда общность людей гипнотизирует едва ли не больше, чем масштабы построек.

Майя Лин

(Maya Lin)

Произведения Майи Лин в области ленд-арта несут в себе не только художественный, но и экологическый смысл. Художница разбирается в том, что человек может подарить или вернуть природе. Например, её инсталляция «Штормовое поле» площадью 44 квадратных метра представляет собой волны травы, высота которой достигает 5 метров. Это поле не требует специального полива, так как оснащено дренажной системой, а потому живет совершенно автономно без участия создателя.

Шигеко Хиракава

(Shigeko Hirakawa)

Инсталляции Шигеко Хиракавы так или иначе связаны с водой и воздухом — двумя из главных земных стихий. Подчёркивая своими проектами хрупкость экосистемы, Хиракава стремится к публичности и резонансу. В своих интервью он постоянно поднимает вопрос о том, что общество должно контролировать свои действия по отношению к флоре и фауне: сокращать вырубку лесов и постепенно менять свой стиль жизни так, чтобы наносить наименьший вред природе.

Димитрий Ксенакис

(Dimitri Xenakis)

Димитрий Ксенакис посредством ярких инсталляций по принципу site-specific объединяет городское пространство с неожиданной дикой природой, постоянно экспериментируя с новыми территориями и средствами выражения. Цветные сети, оплетающие деревья, электрические лампы, символизирующие цветы, деревянные скульптуры вместо элементов живой природы — жизнерадостный подход Ксенакиса сделал его любимым гостем парков и аллей, посетители которых чаще всего не подозревают, что видят ленд-арт, и принимают разноцветные объекты за праздничную декорацию.

Беверли Пеппер

(Beverly Pepper)

Беверли Пеппер — американский скульптор и художник-абстракционист — прошла довольно нетипичный путь для представителя ленд-арта: начав карьеру, как коммерческий художник в тесной связи с галереями, она затем переключилась на живопись, скульптуру и резьбу по дереву. Заинтересовавшись первобытной историей, язычеством и символами, Пеппер, в первую очередь, прославилась фигурами-тотемами и подражанием языческой архитектуре, особенно пирамидам. 

Мирей Фюльпьи

(Mireille Fulpius)

В ленд-арте принято выбирать в качестве объекта широко распространённые и самые привычные природные материалы — камни, дерево, землю, воду и горные массивы. Этим художники приближают ленд-арт к ежедневному опыту человека и показывают простоту и прочность связи людей и окружающего их мира. Швейцарка по происхождению и потомственная хранительница бамбуковой рощи, Фюльпьи стала работать с самым доступным для себя материалом — гладким, твердым и легким бамбуком. 

Катрин Бааc (Catherine Baas)

Катрин Баас 20 лет изучала человеческое тело и выработала собственный подход к ленд-арту через опыт и переживания человека. Для одного из своих самых известных проектов она поместила привычные предметы обстановки и мебели людей в природный ландшафт: из кроватей, лодок, стульев и столов, даже вернее — через прорастали кусты и деревья. Так художник показывает взаимосвязь и давление человека на природу и наоборот. 

Мари-Лин ван Вюрен

(Marie-Line van Vuuren)

Работы голландского художника-самоучки Мари-Лин ван Вюрен продолжают европейскую традицию северных стран в трепетном отношении к природе — от самых незначительных проявлений эко-френдли поведения до предотвращения глобальных катаклизмов. В своих инсталляциях ван Вюрен пытается заставить зрителя задуматься о нашем обществе как системе, неразывно связанной с природой. Мари-Лин тщательно погружается в историю и этнографию, изучая не только мифологию самого места, но даже его упоминания в литературе, фольклоре и научных опытах — но её инсталляции на свежем воздухе остаются при этом почень ироничными.

Педро Марсорати

(Pedro Marzorati)

Забавные, находчивые и рождающие огромный фидбэк художественные проекты аргентинца Педро Марсорати основаны на переосмыслении природы, игре со значениями зданий, людей и вещей, отношений архитектуры и окружающей среды. Среди ленд-артистов Марсорати - один из немногих, чьи герои — синие люди, выглядывающие из пруда, дома, висящие на стволе дерева или сутулые фигуры, собирающие урожай.